合唱団で成功するために名人になる必要はありません。必要なのは、練習と学習への意欲、そして「聴いて真似する基本的な能力」だと、アカペラ合唱団「Sirens of Gotham」の芸術監督、ミラ・タファーナーは言います。「幸いなことに、これは比較的普遍的なスキルです。」タファーナーは、Sirensの副芸術監督カリ・フランシス、ビジュアルコーディネーターのアンナ・チェラックと共に、合唱を学ぶ上での必須事項についてLifehackerに語ってくれました。これらの必須事項は、昨年秋に開催されたSweet Adelines International Harmony Classic Competitionで、上記のパフォーマンスでグループが優勝する上で役立ったものです。

すでに知っていることを活用する

タファーナー氏によると、合唱団に参加する人のほとんどは、自分が思っている以上に多くのことを既に知っているという。西洋音楽を定期的に聴いている人なら、基本的なレベルで音を真似したり、繰り返したりできるし、ハーモニーを識別することさえできる。アカペラの歌唱は、そうした簡単に見つけられるハーモニーを中心に構成されている。「特定の音程が特定の方法で固定されると、かなり自然な音響現象が起こるのです」と彼女は言う。特にバーバーショップの歌唱は、音楽理論を理解していなくても、一般の人が聴き取れるハーモニクスを中心に構成されている。

自分のスタイルを学ぶ

サイレンズ・オブ・ゴッサムはバーバーショップ・ハーモニーを専門としていますが、コンテンポラリー・アカペラ、ヴォーカル・ジャズ、クラシック・コーラスも演奏します。それぞれのスタイルは異なる素材からインスピレーションを得ているだけでなく、特定のアレンジやトーンを用いています。これは多くの歌手が合唱団に入団する際に学ぶ必要がある部分であり、グループリハーサルで一緒にスタイルを学ぶことが必須です。

伝統的な合唱音楽はカトリック教会の礼拝音楽に由来します。アカペラとはイタリア語で「礼拝堂風」を意味し、元々は楽器が使われていませんでした。教皇フランシスコは次のように説明しています。「神聖な場における合唱音楽は、娯楽としてではなく、礼拝を促進するという役割を担っていたため、ミサ典礼文や聖書のテキストを、美しく純粋で、しばしば飾り気のない声楽で明確に朗唱し、あるいは強調することが期待されていました。」

フランシスコ教皇によれば、宗教改革後、プロテスタント教会は聖歌隊のように練習できない信徒たちにとって、より親しみやすい音楽を作り上げた。バーバーショップは、こうしたプロテスタントの賛美歌の要素にジャズやブルースの要素を融合させている。ピアノやオルガンが通常採用する「平均律」ではなく「純正律」を用い、緊密なハーモニーで歌うことで、バーバーショップの演奏者は響き渡る倍音を生み出す。それは今まさに「ハロー、ハロー、ハロー、ハロー！」と心の中で歌っているときに想像できるような響きである。これは、次のような団体でも主流のスタイルとなっている。

ヴォーカル・ジャズはバーバーショップに似ていますが、即興演奏、スキャット、より複雑なハーモニクス、そしてボーカルの俊敏性などが加わります。著名な演奏家には、マンハッタン・トランスファーやテイク6などがいます。

コンテンポラリー・アカペラは、大学のグループで人気があります。これらのグループは通常、規模が小さく、最新のポップミュージックを演奏したいからです。少人数の合唱団であれば、操作や音合わせの対象となる声が少ないため、より複雑なアレンジやインストゥルメンタルトラックの模倣が可能です。ペンタトニックス、ロッカペラ、グリークラブ、そして「ピッチ・パーフェクト」などで聞かれるスタイルです。

あなたの声を守る

合唱には、アレンジやスタイルに加え、定期的なパフォーマンスという難しさも伴います。間違ったスタイルを真似ると、音の不一致が生じるだけでなく、声帯に負担がかかります。完璧なテイクを1回だけ出すレコーディングアーティストを真似すると、その後のパフォーマンスで同じ音を維持できなくなります。

サイレンズの本拠地であるニューヨークでは、「声を酷使しすぎて、無理をしすぎるのは本当によくあることです」とフランシスは言う。多くの歌手は、ただ声を届けるために叫んだり怒鳴ったりすることで、すでに声帯を損傷したままステージに上がる。歌手たちは声を守る術を学ばなければならず、人生で最も古典的なアドバイス、つまり「もっと水を飲む」ことに従っている。

合唱は、技術的な成果や完璧な調和だけでは不十分です。セイレンズは、それぞれの歌の背後にある感情を見つけ出し、伝えることに最も力を入れています。

言葉の裏にある感情を見つける

「曲を選ぶときは、その曲のストーリーを深く掘り下げます」とタファーナーは言う。「誰が書いたのか？ ストーリーはどんな展開なのか？ コーラスはどれだけそのストーリーに共感できるのか？」 コーラス隊の仕事の多くは、曲の感情について話し合い、ロールプレイング演習や歌詞の逐一分析といったツールを通して、それをパフォーマンスに取り入れていくことだ。「『このフレーズは、いい感じだからこの流れとリズムで歌おう』と言うのではなく、感情を通して、そしてその曲を研究するために私たちが費やした努力を通してアプローチしたいのです」とチェラックは言う。

セイレーンたちが説明するプロセスは、舞台や映画の演出家への一般的なアドバイスによく似ています。「演者にセリフ読みをさせてはいけません。そうしないと、彼らは真似することに集中してしまい、真の演技を披露することができません。そうではなく、望む感情やトーンを伝えましょう。そうすれば、彼らはそれを彼ら独自の、そして本物の方法で表現できるのです。」チェラックは「演技の誠実さ」という言葉を使っています。それは、単に指定されたトーンや音量に合わせるのではなく、真の感情を込めて歌うことを意味します。

そして他の演奏者と同じように、合唱団は聴衆に与えたい影響について考えます。誰がこの歌を聴く必要があるのか​​、感情的なバラードはどんな癒しを人々にもたらすことができるのか、どんな力を与えるメッセージを伝えることができるのか、そして合唱団はそれをどのように表現できるのか、などです。

チェラック氏によると、実際に感情的な誠実さを見つけるには、特定のパートを何度もリハーサルし、小グループに分かれて練習し、家に帰って練習し、また集まって微調整するといったことが必要だという。歌手たちはまた、互いに調整し合い、呼吸を整え、集中力を奪わないようにすることも学ぶ。

この発展のプロセスは曲ごとに異なります。合唱団は工場ではありません。このグループの全員がここにいるのは、自ら望んでここにいるからです。彼らは努力する覚悟ができており、卓越したグループ体験をしたいと願っています。